Exposición Art-Studio Gustavo Freudenthal (Zaragoza, 1906-1930)

Gracias a la Universidad de Zaragoza y a la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza se puede visitar hasta el 24 de junio en el Paraninfo una magnífica recopilación de fotografías de Gustavo Freudenthal. Realizadas entre 1906 (llegada de Freudenthal a Zaragoza ya como Proveedor de la Casa Real) hasta 1930 (año en el que decide dejar su estudio fotográfico).

Entre las fotografías de Freudenthal encontramos excepcionales retratos, entre los que podemos reconocer a Trinidad Castillo, Pilar Bayona, Cecilia e Isabel Ballo, Constancia Comín, el Mariscal Hindenburg o al mismísimo Albert Einstein (que estuvo en Zaragoza, por segunda vez, entre el 12 y el 14 de marzo de 1923). Una bellísima joven de identidad desconocida y otras muchas nos miran mientras paseamos entre esta deliciosa colección.

Los que visiten la exposición podrán disfrutar también de los reportajes que recogen estampas hogareñas, como el realizado a la familia Escoriaza-Averly o el de los Guillén-Bernad. La muestra recoge también reportajes de hípica; automovilismo; sociales, como el fin de curso de bachillerato del colegio zaragozano Jesús María-El Salvador, una foto de la casa de amparo, e incluso fotos muy curiosas como las realizadas durante las obras de los urinarios públicos de la Plaza de España de Zaragoza. Se pueden contemplar fotografías de paisajes: el valle de Ordesa, Jaca y Panticosa, el Monasterio de Piedra y unas vistas privilegiadas de Ansó, Huesca; y del Roncal, Navarra. Una gran variedad de imágenes es la que nos ofrece Gustavo Freudenthal, y es que este fotógrafo trabajó en diferentes campos, incluyendo el fotomontaje. De este tipo de composición podemos contemplar el único, al menos, localizado, inspirado en el cuadro de Goya La gallina ciega, siendo, sin duda, una de las fotografías más divertidas de la colección.

En cuanto a la técnica, caben destacar unas tomas excelentes y reconocer la maestría del fotógrafo en el manejo de la iluminación. Con respecto a los materiales, son diversos los que empleó con resultados muy diferentes: gelatinas de revelado químico, finos papeles de celulosa al cloruro… Los más entendidos podrán apreciar virajes o coloreados al oro, al sepia… Delicado no solo en la captura de imágenes y en el revelado, sino también en la entrega final al cliente: fotografías montadas en paspartú, a veces montadas en cartulina con ventana que solía incluir la firma o sello del estudio (gracias a la excelente conservación de algunas de las fotos, este gesto aporta un carácter aún más histórico a las mismas).

Muchos originales y algunas copias fotográficas componen, en definitiva, una exposición encantadora para cualquiera, amante o no de la fotografía. Un excelente trabajo de su autor que hoy nos llega gracias a la conservación de sus propietarios y al trabajo de recopilación de la Universidad y la Real Sociedad Fotográfica, ambas de Zaragoza. Trabajo e ilusión se aprecian detrás de una exposición que recomiendo ir a ver con tiempo y calma para saborearla como se merece, o incluso, visitarla en más de una ocasión. Creo que muy pocos esperaban tantas fotografías, el maravilloso estado de las mismas y la riqueza temática. Servidora repetirá, desde luego.

 

Información sobre la exposición: http://moncayo.unizar.es/unizara/actividadesculturales.nsf/Agenda?OpenFrameSet

 

Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza: http://www.rsfz-es.com/

 

Irene Achón Lezaun

http://ireneachon.wordpress.com

Almalé y Bondía nos invitan a soñar en la galería Spectrum Sotos

La galería Spectrum Sotos una vez más nos deja las puertas abiertas para que podamos contemplar las fotografías, en este caso, de dos artistas zaragozanos.

Javier Almalé y Jesús Bondía, que ya habían pasado por las paredes de la galería, han realizado un proyecto que no te deja indiferente. Infranqueable es el título que arropa las fotografías que estos autores han tomado en montañas fronterizas.

A través del espacio natural escogido, Almalé y Bondía nos meten en un mundo donde, al más puro estilo de ficción romántica, lo real y lo imaginario se mezclan para dejar rienda suelta a la imaginación del que observa. No sabemos si aquello existe de verdad, si lo que vemos ha estado siempre allí, si es que no sabemos mirar y el mundo que contemplamos esconde secretos que solo algunos son capaces de percibir. Ponemos en duda la verosimilitud de lo contemplado, con una técnica y unas tomas insuperables, los autores han jugado con el blanco y negro, la desaturación y los aparentemente ¿reflejos?

Paisajes nevados, oníricos, jugando con la niebla y con la nieve, con los colores que van desapareciendo, con espejos que nos dejan ver algo más que quizás haya escondido. El espectador no se puede quedar impasible cuando se posiciona ante una de estas tomas. ¿Qué se ve allí? ¿Y esa cara inquietante que asoma entre esas rocas?

Fotografías que se pueden confundir casi con pinturas, tomas que parecen imposibles, rocas y montañas que esconden rostros, puertas que no se sabe qué guardan.

Desde la técnica, hasta el contenido, el proyecto Infranqueable no nos deja lugar a la simplicidad. El cerebro se pone en marcha y te quedas minutos observando una imagen que casi produce un escalofrío. ¿Qué estoy viendo? ¿Es real o es ficción? ¿Las imágenes fueron tomadas como se me muestran? Y si es así, ¿de dónde sale todo aquello que mi ojo antes no era capaz de ver?

Será que Almalé y Bondía han sabido ver algo más que un paisaje espectacular y nos lo traen para que podamos disfrutarlo.

Si eres un amante de la fotografía debes visitar esta fantástica muestra. Y si lo tuyo es soñar despierto, no te puedes perder la oportunidad de meterte en un mundo de ficción sin necesidad de hadas y seres fantásticos; pues a veces, lo maravilloso y lo fantástico están aquí.

La exposición puede visitarse hasta el 27 de mayo en la galería Spectrum Sotos (calle Concepción Arenal, 19).

Para más información, y para los que quieran un adelanto:

http://www.spectrumsotos.com/

http://www.almalebondia.com/

 

Irene Achón Lezaun

http://ireneachon.wordpress.com/

Los habitantes de la casa deshabitada de Jardiel Poncela en el Teatro Principal de Zaragoza

La compañía El Voedevil nos ha traído a Zaragoza este fin de semana una espléndida comedia de Enrique Jardiel Poncela, Los habitantes de la casa deshabitada:

En una noche de lluvia y frío, un caballero, D. Raimundo y su chófer Gregorio, sufren una avería en el coche en el que viajan por un páramo desolado. El único refugio posible es una casa solariega cercana, plagada de criaturas extrañas y fantasmagóricas, que pondrán a prueba el temple de los protagonistas.

La ironía de Jardiel Poncela ya se desprende del título de la obra, una comedia entretejida tras una aparente trama de misterio: Raimundo y su “chófer” – entrecomillado porque de coches, poco – Gregorio se ven enredados en un enigma imposible. En éste están incluidos desde personajes de carne y hueso de lo más intrigante hasta seres que parecen provenir del más allá. La historia se complica cuando don Raimundo se reencuentra con los peores fantasmas que pueden existir: los del pasado. Así, el público es arrastrado hasta una casa en principio deshabitada – que parece tener dos pisos y solo tiene uno y desde la que los gritos de una mujer desgarran la noche – donde se desarrolla una desternillante y a la vez espléndida trama de amor, engaños y muerte.

He de confesar que yo ya sabía que las risas estaban garantizadas con una obra firmada por Enrique Jardiel Poncela. Todo lo que he leído y he visto de él me ha encantado por su punzante ingenio y su sagacidad. Sabe cómo llegar al público y sabe hacer que se olviden de sus problemas – ¡hasta del brutal cierzo que ha asolado la ciudad tan repentinamente! -. Los habitantes de la casa deshabitada no ha sido una excepción. Los personajes son deliciosos, los golpes de humor e ingenio, inesperados. El pulso de la obra se mantiene hasta el final a través de giros bruscos de la trama que hacen que el espectador se revuelva en su asiento, deseoso de saber más. En mi caso, cuando se bajó el telón, anunciando el descanso, ya no podía esperar para saber el desenlace de la acción. Esto es lo que pasa cuando una buena comedia se mezcla con cualquier elemento sobrenatural: la resolución del nudo es imprevisible y siempre sorprendente.

 

La producción de Juanjo Seoane, dirigida por Ignacio García, contaba con un reparto de lujo. Es una maravilla sentarte en la butaca de un teatro sabiendo que vas a disfrutar solo viendo a los actores haciendo su trabajo. Cómo no, he de destacar la labor de Pepe Viyuela: su personaje, el chófer Gregorio, da una visión irónica y escéptica de la escena que se desarrolla ante el público, ofreciéndose así un juego de contrastes, luces, sombras. Y, por supuesto, humor. Pepe Viyuela derrocha humor por los poros: creía que no se podía reír tanto, hasta que representó la escena en que Gregorio es abandonado en la casa y toda una comitiva de seres infernales – fantasmas, descabezados, esqueletos, espectros – se pasea a sus anchas delante de sus ojos en un principio incrédulos. También me maravilló el personaje de Rodriga, interpretado por Paloma Paso Jardiel, que da un muy ingenioso contrapunto: un personaje inocente, ingenuo, que se ve sumergido en la trama y comienza a confundir la realidad y la ficción. Jardiel Poncela nos ofrece una deliciosa reflexión metaliteraria: quizá seamos todos personajes que tratamos de sobrevivir en esta obra de teatro continua que es la vida.

 

Y aunque resulte poco original, voy a cerrar el artículo con una frase que Ignacio García, el director, utiliza para el programa de mano:

 

Disfruten de nuestro intento, sólo en eso, de contradecir a Jardiel Poncela, siempre brillante, cuando decía que “toda mala comedia gana al representarse; toda comedia buena pierde al ser representada”.

Enhorabuena a todos porque con Los habitantes de la casa deshabitada lo habéis conseguido.

 

Natalia LC

luvinlu@hotmail.com

www.enpicado.blogspot.com

 

 

La deliciosa oscuridad de la armonía (EL PERIÓDICO DE ARAGÓN)

POR CHUS TUDELILLA 08/04/2012

A la muerte de Xavier Gosé (Madrid, 1876-Lérida, 1915), Eugenio d’Ors le dedicó un artículo en La Veu de Catalunya en el que auguraba: “La influencia de este dibujante catalán en las artes del mundo, únicamente el historiador futuro y ricamente documentado sabrá averiguarla totalmente”. D’Ors acertó en su juicio, pues a pesar del gran éxito que Gosé conoció en vida, el reconocimiento a su trayectoria tardó en llegar hasta nada menos que 1984, cuando se organizó la primera exposición retrospectiva y se editó el primer catálogo razonado de su obra con los fondos del Museu d’Art Jaume Morera de Lérida, a los que se unieron, en una nueva exposición celebrada en 1999, los del Museu Nacional d’Art de Catalunya y de colecciones privadas, con nuevos estudios que evidenciaron, documental y visualmente, la influencia de Gosé en las artes del mundo.

Jesús Navarro Guitart, director del Museu d’Art Jaume Morera, de donde proceden las obras de esta exposición, señala varias razones que explican el tardío reconocimiento crítico de la obra de Gosé: haber realizado la mayor parte de su obra en París –no en vano cuando expuso en las galerías Dalmau de Barcelona en 1911, el crítico Folch i Torres escribió que “Gosé no es de los que podemos considerar nuestros” por ser autor de un “arte totalmente exterior”–, y la reticencia de la historiografía tradicional a valorar el ámbito de la ilustración. Superados ambos obstáculos, el arte de Xavier Gosé es hoy la expresión de un tiempo que siguió al inicio de la modernidad.

En su primera individual de 1899, en la cervecería Els Quatre Gats de Barcelona, Gosé presentó dibujos atentos a gentes infelices que tiritan “al helado soplo del cierzo”, anotó Opisso en La Vanguardia.

Escenas que eran el contrapunto al optimismo burgués. En 1900 se trasladó a París por la falta de protección que España daba a sus artistas, escribió. El mundo femenino ocupó su interés, primero el de los prostíbulos y cabarets donde reinaba “la deliciosa oscuridad de la armonía” al decir de Baudelaire, y a partir de 1907 el de la elegancia sofisticada, frívola y elitista. Las numerosas revistas francesas, alemanas y españolas en las que Gosé colaboró dan testimonio de su paso por el art nouveau modernista hasta alcanzar la madurez del estilo sintético que le caracterizó, asentado en un dibujo firme, en la asimilación de la composición diagonal de origen japonés, en la simplificación formal y geometrización cubistas. Con ese estilo Gosé dio expresión a un mundo de mujeres teatrales, engalanadas y embellecidas por las pompas artificiales, que anunciaba soluciones propias del art déco de los años veinte.

En 1915 murió en Lérida, donde había llegado enfermo huyendo de la guerra europea.

EL PERIÓDICO DE ARAGÓN

Pedro Perún Serrano, conocido como Pierre d. la en el mundo de la poesía visual.

“Sacar los fusiles los podemos sacar pero primero cambia tú y luego, todo lo demás”

“De un encuentro no casual”

La entrevista se produce en un ambiente distendido. Dos coca colas y un café con leche frío para mi acompañan los movimientos de Pedro y traducen mi mirada inquisitiva. Una persona tímida que en un momento te puede conmover, templar o dispersar cualquier idea fija. Derrepente Pedro se sorprende, se le ha tambaleado una idea fija. No se puede creer que haya podido definir qué es la poesía visual.

-         Nunca he podido definirla.  Me encuentro contigo y la defino.

Dos personas desconocidas con una confianza que no siempre se da.

-         ¿Qué se te ha caído?,  le pregunto yo.

-         Se me cae la cartera, la tarjeta del autobús, las llaves.  ¡Se me cae todo! Voy a pedirme otra coca cola, ¿quieres algo?

-         No, gracias.

Escribo rápidamente ese momento, la memoria no da para tanto…

 

Aitana de Miguel.-  ¿Qué es la cultura alternativa para ti?

Pierre d la.- Es una pregunta complicada. Lo alternativo puede ser aquello que no gusta demasiado a las masas… ¿no? No lo sé. Creo que lo alternativo varía según la posición que tú tomes, para mi no es algo alternativo aquello que no me gusta porque me considero una persona normal. Si me preguntas por la cultura que puede ser revolucionaria para el poder o por la cultura que se mueve por sus propios medios, tal vez eso puede ser alternativo.

ADM.- ¿Porqué Pierre d. la  y no Pedro Perún Serrano?

PDL.- ¡Con lo bonito que suena mi apellido! Todo empezó con el grupo Ecrevisse. Jugando y jugando, todos nos pusimos nombres afrancesados. Como me llamo Pedro, me puse Pierre. En aquella época no teníamos dinero y bebíamos Champagne Delapierre, así que le día la vuelta.

ADM.- ¿Ecrevisse? ¿Cangrejo de río?

PDL.- Esa es la traducción literal pero, entre nosotros, fue un grupo de 5 amigos que en los años 90 hicieron muchas cosas alternativas en esta ciudad.

ADM.- ¿5 amigos con intereses comunes?

PDL.- Si, la creatividad. Nos reuníamos los domingos en un acto lúdico y compartíamos libros y surrealismo. Lo que empezó siendo literatura se convirtió en exposiciones de pintura, collage, bocetos, poesía, etc.

ADM.- Incluso hay una tesina vuestra del profesor universitario Manuel Sánchez Oms.

PDL.- Sí, además fue curioso porque gracias a ella descubrí cosas de mí que desconocía. Manuel estuvo investigándonos de forma muy exclusiva.

ADM.- Y ahora, ¿qué haces?

PDL.- “Poisson Soluble”. Un sobre y un DINA4 con un texto y un logo. Está plegado  y metido en este sobre. ¿Quieres uno? Es broma. Es mucho más. Cada sobre está dedicado a un escritor. A través de este medio doy a conocer artistas vinculados al surrealismo que me interesan.

ADM. ¿Me puedes poner un ejemplo?

PDL. Sí claro. Hay varios números, el número 7 está dedicado a Raymond Rousell. Participan varios artistas de aquí entre ellos; Julieta Lahoz y Victor Montalbán. Cada uno hace una función en este poisson, Julieta recita un poema de Rousell en francés o Victor se encarga del cartel de presentación. Me dejo mucha gente sin nombrar, en total llevamos siete números.

ADM.- ¿Qué es la poesía visual?

PDL.- ¡Menuda pregunta! ¡Me pides que defina la poesía visual! ¡Nunca he sabido definirlo!

ADM.- Adelante.

PDL.- Voy a citarte una cita del poeta Isidore Ducasse en su obra: “Los cantos de Maldoror”. “Bello como el encuentro fortuito entre una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección”

ADM.- ¿Perdón? ¡Me he perdido!

PDL.- Esa oración es una imagen en sí. ¿Te la repito?

ADM.- Creo que no. Si no he entendido mal, serían dos realidades distintas que unidas crean una única realidad.

PDL.- Sí. Es prácticamente tan vieja como la poesía escrita, ya en las caligrafías del poeta griego Simmias de Rodas se puede encontrar poesía visual. No fue inventada por las vanguardias del siglo XX.

ADM.- ¿Cuándo decidiste dedicarte a la poesía visual?

PDL.- No hubo un instante concreto. Siempre me ha guiado “La pulsión”.

ADM.- ¡La pulsión!

PDL.- Cuando era pequeño leía compulsivamente, de hecho, yo soy autodidacta. Yo siempre he tenido la necesidad de crear, ha sido una pulsión vital.

ADM.- ¿Una vocación?

PDL.- No. No me gusta el sentido judeo-cristiano que le da la religión cristiana a esa palabra. La poesía es una pulsión artística. Es mi forma de transformar el mundo.

ADM.- ¿A través de la poesía visual?

PDL.- Sí. Ese tendría que ser el instinto de todos los artistas.

ADM.- ¿Te consideras artista?

PDL.- No. Yo no soy artista.

ADM.- ¿Qué es ser artista para ti?

PDL.- Tal vez la Real Academia diría que es una persona que está dotada de la virtud necesaria para realizar obras de arte, pero… ¿qué es una obra de arte?

ADM.- ¿Algo que está creado por un artista y que tiene una utilidad?

PDL.- Para mí no. Realmente, ¿quién necesita una obra de arte? El arte solo tiene que provocar algo en tu interior. ¡Esa es su función! Yo puedo coger cualquier objeto y transformarlo en otro objeto y que provoqué una emoción en quien lo está viendo.

ADM.- ¿Y ese “pero” que me has dejado sin contestar?

PDL.- Hay muchas personas que dicen ser artistas y que están vacíos de espíritu. ¡Cuidado con esto! Estas personas me provocan desconfianza.

ADM.- Tal vez les falta creatividad.

PDL.- No me atrevo a afirmarlo. No me gusta cómo se utiliza la palabra “artista”. La creatividad es  otra cosa; es una constante búsqueda, una constante transformación. Dependerá de la intención que haya detrás de palabra “artista” me podré considerar o no.

ADM.- Me pareces una persona rebelde.

PDL.- Con 42 años, creo en la revolución interior. Por supuesto que sacar los fusiles los podemos sacar pero primero cambia tú y luego, todo lo demás.

ADM.- ¿Te imaginabas la vida así cuando eras pequeño?

PDL.- La verdad es que no recuerdo tener una idea concreta en algún momento de mi vida. Nunca he tenido grandes expectativas. Estudié algo relacionado con las nuevas tecnologías. Nunca me dediqué a ello.

ADM.- ¿La vida tiene obstáculos?

PDL.- Muchos. Aunque también está la capacidad de saltarlos o jugar con ellos. Uno mismo genera las cosas en la vida.

ADM.- ¿Olvidar o perdona?

PDL.- No hay nada que perdonar cuando no hay grandes expectativas. Olvidar los malos momentos. Aunque claro, no puedo quitarme mi historia, soy ella misma. Lo mejor es vivir, mantener la capacidad de sorpresa, apreciar la belleza en cada instante. El azar, esos pequeños momentos que te hacen sentir algo que te llama la atención.

ADM.- ¿No tienes expectativas? ¡No te puedo creer!

PDL.- Soy un poco exagerado. Como todo el mundo, cuando era pequeño tenía más expectativas. Cuando vas creciendo vas cambiando las prioridades, hoy por hoy mi principal expectativa es estar bien conmigo mismo y con demás.

ADM.- ¿Escribes en minúscula después de un punto y aparte?

PDL. – ¡Uy! Todo, absolutamente todo lo escribo en minúsculas. Soy un poco borde cuando me lo propongo pero eso es otra historia…

 

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